"Casa de muñecas. El pato salvaje", de Henrik Ibsen: dos obras que abogan por romper convenciones sociales y luchar por lo que uno cree

Título: Casa de muñecas. El pato salvaje
Autor: Henrik Ibsen
Editorial: Cátedra
Género: teatro
Páginas: 224
Publicación: 28/12/2005
ISBN: 978-84-376-1769-5

  Henrik Ibsen (1828-1906) nació en Noruega, en un medio en el que imperaba una moral estrecha de miras, una vigencia desesperante de la superstición y del miedo. Todo a su alrededor era considerado pecado, todo merecía un reproche, una advertencia sobre el posible mal que podría acarrear cualquier acción que se emprendiera. Por eso sus personajes no se contentan con vivir la vida cotidiana, necesitan un proyecto que realizar aunque éste sobrepase sus fuerzas y les haga sentirse solos, incomprendidos e incluso derrotados, pero orgullosos por haberse aventurado a conseguirlo. En "Casa de muñecas" y "El pato salvaje" plantea Ibsen la tragedia de la mentira vital. Nora Helmer, en "Casa de muñecas", es una joven que ha sido educada para llevar una venda en los ojos y servir de juguete primero a su padre y luego a su marido. Cuando la venda cae, Nora comienza a ser "alguien". Gregorio Werle, en "El pato salvaje", concibe un proyecto para poner al descubierto a unos seres hipócritas, egoístas e indignos, aunque entre ellos se encuentre su propio padre.

   No soy una gran lectora de teatro pero tenía muchas ganas de leer Casa de muñecas después de que en una de las asignaturas del máster que hice en la UNED aprendiera que en su momento (fue escrita en 1879) esta obra levantó agrias polémicas sobre el personaje central, Nora, y su actitud. Tanto revuelo montó, que se prohibió hablar ella en fiestas y reuniones sociales. Se criticaba, sobre todo, su falta de moralidad (Nora miente a su marido) y sus toques feministas (no quiere seguir viviendo con quien la rechaza por una pequeña falta, cuando ella ha tenido que aguantar tanto) y tales asuntos daban mucho de qué hablar a los lectores/espectadores del momento.
    Esa es la razón por la que la elegí como una de las lecturas del club de lectura de este curso. El ejemplar disponible en la biblioteca contenía, además, El pato salvaje. No lo leímos en el grupo pero me gustó tanto Casa de muñecas y se leen tan bien ambas obras, que también cayó. Y aquí van mis impresiones sobre ellas.
    Casa de muñecas me ha parecido una obra rompedora para su momento (por lo que no me extraña que se montara la que se montó). En ella, Ibsen nos presenta a una mujer educada para ser sumisa, buena esposa y madre, un poco manirrota, como todas las mujeres (eso dice su marido, no yo, que conste) y para centrarse en lo superficial y no ver lo que ocurre a su alrededor. Mientras Nora representa este papel de ángel del hogar, todo va bien. Pero Nora no es así, Nora lleva otra forma de ser y de pensar en su interior y cuando se salga del guion establecido (aunque sea por amor), su marido le dará la espalda. Ante tal rechazo, ella será la que finalmente abandone a su esposo, haciendo valer, así, su dignidad como persona y poniendo de relieve su capacidad de decidir y de tomar las riendas de su vida en vez de ser la linda muñequita que fue tanto para su marido como para su padre.
   Tanto la acción como los personajes contribuyen a hacer avanzar la historia y a mantener el ritmo y la dosis justa de intriga para sostener el argumento. Pero Ibsen va más allá del teatro de su época en lo que a introspección y retrato psicológico se refiere y es capaz, mediante lo que va sucediendo en el escenario, de retratar lo que bulle en el interior de Nora y, por lo tanto, de darle mayor profundidad a un carácter que se nos presenta, así, como un personaje redondo.
  La historia fluye a la perfección y permite reflexionar (y dialogar, en el caso del club) sobre el papel de la mujer tanto en el ámbito privado como en el ámbito público. También he tratado de poner énfasis en las reuniones en que lo que hoy nos podría parecer normal (lo que Nora hace, lo que piensa y lo que dice) no lo era tanto hace siglo y medio y destacar, así, su valor como obra rompedora.
   Me ha encantado quitarme esta espinita y descubrir el teatro de Ibsen gracias a su Nora, uno de sus personajes más perfectos e innovadores. Un personaje que no olvidaré.

EL PATO SALVAJE

   La segunda de las obras presentadas en este volumen incide, en cierta manera, en algo parecido aunque diferente. En este caso, el protagonista es  Gregorio Werle, un hombre que también ha seguido las convenciones sociales y la vida a la medida que su entorno ha creado para él pero que, de pronto, se da cuenta de la mentira en la que ha estado viviendo y prefiere luchar por sus ideales (honestidad y justicia) en vez de continuar sumido en la farsa que otros han creado para él. Antepone, pues, sus principios morales al bienestar de una vida acomodada y llena de lo que se supone que toda vida ha de tener: amor, trabajo y cierto poder adquisitivo.
    Ibsen vuelve, pues, a reflexionar (y hacernos reflexionar) sobre lo esperado, sobre el espíritu personal frente a la convención y a la colectividad, sobre las discrepancias entre la moralidad personal y la cicatería social. Nuevamente, también, nos propone una obra dramática, que no soslaya alguna escena dura (incluso trágica) para hacernos comprender el nivel de bajeza moral de algunos personajes y, por lo tanto, el mensaje final.
   Y, como también ocurriera en Casa de muñecas, a Ibsen tampoco le importa aquí contraponer al personaje principal frente a su propia familia, a los seres que se supone que le quieren y a los que él quiere. De esta manera, pone el énfasis en la personalidad de cada uno y sus creencias frente a lo convenido socialmente y, sobre todo, frente a una apariencia que, en el fondo, solo refleja egoísmo e hipocresía.
   Ibsen nos pone, pues, frente a dos personajes que pierden todo lo que la sociedad espera que tengan pero que ganan algo que no siempre se valora en su justa medida: la paz personal, la conciencia tranquila, la posibilidad de vivir con uno mismo porque estás convencido de que has hecho lo que tu conciencia, tu honor y tu forma de ver el mundo te han dictado.
     Nos seguimos leyendo.

   Incluyo este libro en los siguientes retos:

•  Reto 100 libros: 34/100
•  Reto Genérico: 23 (1 teatro)/40
•  Reto Olvidados: 11

"El caballero del jubón amarillo" (Alatriste#5), de Arturo Pérez Reverte: no hay burlas con el amor

Ficha técnica:

Título: El caballero del jubón amarillo  (Las aventuras  del Capitán Alatriste 5)                                                         Autor: Arturo Pérez-Reverte                    Editorial: Alfaguara Género: novela, novela histórica, novela de aventuras      Páginas: 360
Publicación: 2003      ISBN: 9788420469423

Sinopsis (página del autor):

  "Don Francisco de Quevedo me dirigió una mirada que interpreté como era debido, pues fui detrás del capitán Alatriste. Avísame si hay problemas, habían dicho sus ojos tras los lentes quevedescos. Dos aceros hacen más papel que uno. Y así, consciente de mi responsabilidad, acomodé la daga de misericordia que llevaba atravesada al cinto y fui en pos de mi amo, discreto como un ratón, confiando en que esta vez pudiéramos terminar la comedia sin estocadas y en paz, pues habría sido bellaca afrenta estropearle el estreno a Tirso de Molina. Yo estaba lejos de imaginar hasta qué punto la bellísima actriz María de Castro iba a complicar mi vida y la del capitán, poniéndonos a ambos en gravísimo peligro; por no hablar de la corona del rey Felipe IV, que esos días anduvo literalmente al filo de una espada. Todo lo cual me propongo contar en esta nueva aventura, probando así que no hay locura a la que el hombre no llegue, abismo al que no se asome, y lance que el diablo no aproveche cuando hay mujer hermosa de por medio."

   La nueva novela del capitán Alatriste se desarrolla en el mundo de los corrales de comedias del Madrid del XVII. Cruzándose con viejos amigos y viejos enemigos, y con los personajes famosos de la época, como Lope de Vega, Calderón de la Barca y el capitán Alonso de Contreras, Diego Alatriste e Íñigo Balboa se enfrentarán a una conspiración en la corte de Felipe IV.
   Lances, estocadas, intrigas palaciegas y aventuras amorosas salpican un relato de acción trepidante.

   A lo largo de la saga, hemos visto al capitán Alatriste defender España y luchar por el rey. Pero en esta ocasión, el rey se convertirá no en un valor que defender sino en un enemigo tangible, de carne y hueso. Más que enemigo, será un contrincante amoroso, alguien que luche por los favores de la misma mujer con la que Alatriste mantiene una relación. No me atrevería a decir que el capitán está enamorado de María de Castro, la famosa actriz que se tendrá que disputar con el monarca de ambos mundos pero sí hay una atracción especial que le hará no arrojar la toalla cuando los intermediarios del rey le insten a dar por perdida la batalla. 
    A esta intriga amorosa, Pérez-Reverte suma, en esta ocasión, otra intriga relacionada con la corte, en la que están implicados (¡cómo no!) Angélica de Alquézar, su padre Luis y el temible Fray Emilio Bocanegra. A pesar de ser dos intrigas diferentes, una y otra confluirán poniendo a Alatriste en la tesitura de luchar contra o a favor del rey, de renunciar a sus principios o de comprobar la diferencia entre luchar por el rey contra un enemigo común o entendiendo esa lucha como un fin superior o como un ente abstracto, una institución más, y luchar por o contra el rey en el cuerpo a cuerpo, de caballero a caballero.
    La introducción de la figura de María de Castro y de su marido permite a Pérez-Reverte seguir hablando del teatro, en este caso, de la trastienda del espectáculo. La verdad es que me hubiera gustado que desarrollara más el teatro entre bambalinas del Siglo de Oro o el papel de los actores, porque me parece que hay aspectos muy curiosos que tratar como, por ejemplo, que en ella época el actor declamaba mirando al público, no intentando dar la réplica a su compañero de escenario, o que, si el parlamento era festejado por el público, el actor se permitía el lujo de repetirlo, aún a costa de menguar el ritmo de la representación.
    Además, sigue indagando en el mundo de los autores teatrales, recuperando al personaje de Calderón de la Barca, ahora convertido ya en heredero de Lope, o haciendo referencias a Tirso de Molina, además del propio Quevedo, que en esta entrega no solo escribe versos, sino que prepara una obra teatral: La espada y la daga. Por si todo esto fuera poco, Pérez-Reverte introduce en la primera parte a un hijo de Lope de Vega, Lopito, que le sirve para hablar del fénix de los Ingenios, además de crearle una pequeña tramita que continúa hablando de los argumentos de las comedias de la época y de la vida misma del gran dramaturgo áureo.
    No será la única vez que el autor aproveche una trama propia del teatro del Siglo de Oro, o alguna otra de sus características (como las mujeres disfrazadas de hombres) para aplicarlas al propio argumento de la novela, como ocurre, esta vez, con las salidas nocturnas de Angélica de Alquézar.
    Y es que la trama amorosa no alcanza, en esta novela, solo al capitán: también Íñigo probará las mieles de los besos de la persona amada y el dolor de la puñalada traidora.
    Me ha parecido que la trama de esta quinta entrega está mejor armada que el resto, o se me ha hecho más interesante, quizá por esos dos hilos conductores de los que he hablado al principio. En cualquier caso, es el argumento que más recordaba de la película, así que mientras he leído el libro sus imágenes han vuelto a mi cabeza y hasta me han entrado ganas de volverla a ver. Lo que espero que siga adelante es la serie que está preparando Telecinco y deseo que sea lo más fiel posible a la saga porque, sinceramente, me parece fabulosa: la ambientación, las tramas, los personajes, el trasfondo literario... Creo que permite aprender y disfrutar y que puede ser una buena manera de picar la curiosidad de los lectores hacia la literatura clásica.

    Nos seguimos leyendo.

   Incluyo este libro en los siguientes retos:

•  Reto Capitán Alatriste 5/7

   Otros títulos de la saga reseñados en el blog:

• El capitán Alatriste (Las aventuras del Capitán Alatriste 1)
• Limpieza de sangre (Las aventuras del Capitán Alatriste 2)
• El sol de Breda (Las aventuras del Capitán Alatriste 3)
• El oro del rey  (Las aventuras del Capitán Alatriste 4)

"Tocarnos la cara", de Belén Gopegui: indagando en la esencia del comportamiento humano

   La reseña de Anika entre Libros que rescato hoy habla de una novela ambientada en el mundo del teatro, por lo que tiene cierta relación con este Mes de los Libros sobre libros que está a puntito de acabar.

TOCARNOS LA CARA (Tocarnos la cara, 1995) Belén Gopegui Editorial DeBolsillo Colección Contemporánea © Belén Gopegui, 1995 © Random House Mondadori, 2012 1ª Edición, Septiembre 2012 Género y tags: Narrativa, novela, teatro experimental, literatura española ISBN: 9788499899961            208 Páginas

    Argumento:

   Un excéntrico profesor de teatro pone en marcha un proyecto experimental junto a un reducido grupo de alumnos. Se trata de convertirse en el espejo del cliente, en devolverle su propio reflejo, decir lo que él necesita escuchar y, así, ayudarle a reencontrar el rumbo perdido o a cerrar un capítulo abierto. Mientras exploran la psicología ajena en busca de modelos que les sirvan para dar la réplica al cliente, también indagarán en sus propias personalidades, en su manera de reaccionar, de comportarse, de sentir y de amar.

Opinión:

 
   Hay ocasiones en las que necesitamos ensayar frente al espejo lo que vamos a decir a otra persona. ¿Qué pasaría si el espejo pudiera respondernos? ¿O si pudiéramos tocarnos la cara, nuestra propia cara, consolarnos y curar la herida que la vida nos ha infringido? Convertirse en un espejo vivo que dé la réplica exacta en el momento justo es el objetivo de un pequeño grupo de teatro experimental, de teatro marginal, de teatro minoritario, capitaneado por el profesor Simón Cátero. Pero ponerse en la piel del otro, llegar a conocerle tan profundamente como para prever sus reacciones y necesidades, adelantar su curación no es fácil. Máxime cuando el proyecto, llamado “El probador”, propone traer a desconocidos para cumplir el papel de soñador en busca de un reflejo en el espejo, clientes anónimos (aunque buscados en el entorno de cada uno de los integrantes del grupo) a quienes dar la réplica ideal, la que les despierte del letargo y les haga encontrar la fuerza suficiente para obligar a la vida a moldearse, a ajustarse a sus deseos.
  La investigación de los actores/alumnos sobre los sentimientos, las reacciones, las necesidades y los anhelos del ser humano les llevará a indagar en sus propias vidas, a involucrarse en las existencias del resto del grupo hasta configurar un complicado “minué de sentimientos” en el que todos se ven envueltos. A ello habrá que sumar sus experiencias pasadas, individuales y en grupo (puesto que, antes de este alocado proyecto, todos se conocían, al ser alumnos de Simón en su academia), ofreciendo, así, una amplia paleta de sensaciones y frustraciones, de esperanzas y fracasos, de personalidades diferentes y complejas que tratan de acoplarse y funcionar como un solo organismo.
   La novela profundiza, pues, en el mundo sentimental del ser humano, uniendo al mero experimento teatral una compleja investigación psicológica de gran interés para el lector. Una maraña de sentimientos y de formas de afrontar la vida que irá descubriendo a medida que discurren las páginas de la novela para él y del calendario para los protagonistas.
   Narrada en primera persona por una de las participantes en el proyecto, Sandra, la novela cambia en sus últimos capítulos. El primer cambio nos trae al presente: si durante toda la narración Sandra ha estado utilizando el pasado para analizar minuciosamente los hechos ocurridos, a pocas páginas para el final comienza a contarnos la conclusión de la historia en presente, llevándola, pues, hasta el momento en el que están sucediendo las cosas, hasta el momento en el que el desenlace está teniendo lugar. El segundo cambio hace que Simón tome las riendas de la narración en el último capítulo y ofrezca su punto de vista sobre todo lo ocurrido, aportando, además, una interpretación sobre la forma de actuar de la propia Sandra. Un epílogo que profundiza en todo lo narrado anteriormente y abre las puertas al futuro por venir.
   Sandra asume la narración (para poner orden en el caos, confiesa) como si de un observador alejado se tratara. Está implicada en los hechos, sí, y ofrece sus reflexiones personales y su particular análisis de las situaciones pero en ocasiones se coloca por encima de ellos y describe las relaciones entre los miembros del grupo como si de un ensayo teatral o un partida de ajedrez se tratara, intentando desenmascarar las reglas ocultas, las tretas y estrategias de cada uno, las maniobras que buscan una reacción frente a un determinada acción.
   La visión de la vida como ensayo teatral está muy presente en toda la novela, ahondando en todas esas ocasiones en las que llevamos a cabo una acción equivocada y deseamos que sólo hubiera sido un entrenamiento, una preparación que pudiera borrarse de un plumazo sin dejarnos las consecuencias impresas en nuestro corazón.
  En una novela que indaga en el teatro, el componente metaliterario está muy presente. Así, encontramos reflexiones sobre la historia del teatro y su función, la vida como teatro, referencias a la poética de Aristóteles y a grandes autores teatrales como Artaud y su “Teatro de la Crueldad” o meditaciones sobre el quehacer del escritor literario.
   En definitiva, nos encontrarnos ante una novela sobre la vida y el teatro, sobre la representación y los sentimientos, sobre la psicología y el ser humano, que ahonda en las diferentes dimensiones de la personalidad con un estilo sencillo pero poético que nos ofrece algunas imágenes y metáforas dignas de ser recordadas.
   Nos seguimos leyendo.

"El marido más firme", de Lope de Vega: la actualización de un mito inmortal

     El curso pasado, el máster me dio la oportunidad de relanzar mis lecturas clásicas, sepultadas durante años por la avalancha de novedades. Entre los muchos clásicos que pude leer estaba esta obra de teatro de Lope de Vega, basada en la mitología y que bebe de las fuentes de autores imprescindibles de la Antigüedad, como Virgilio y Ovidio. Una lectura que aproveché para reseñar en Anika entre Libros.

EL MARIDO MAS FIRME (Edición e-book 2011)
(El marido más firme, 1625)
Felix Lope de Vega y Carpio

Editorial Linkgua
Colección Teatro
E-Book
© Red ediciones, S.L., 2011
1ª Edición, 2011
Género y tags: Teatro, comedia del Siglo de Oro, mitología, literatura española
ISBN: 9788498977097
140 Páginas
   

Argumento:

     Orfeo no cree en el amor hasta que conoce a Eurídice. Eurídice busca la interpretación al oráculo de Venus sobre su matrimonio: “breve, gustoso y perdido”. Cuando ambos se conozcan, Orfeo descubrirá el amor de verdad y Eurídice deseará que su premonición se refiera a que iba a conocer a su marido en breve, que iba a ser muy gustoso y guapo y que iba a perder su soledad. Sin embargo, será la peor interpretación a tal oráculo la que, finalmente, se cumpla. 

Opinión:

   El mito de Orfeo es uno de los pasajes de la mitología más conocidos y con más largo recorrido literario y artístico a lo largo de los siglos. A pesar de que en la Antigüedad griega ya se conocía y difundía, la primera obra escrita en la que aparece que conservamos se la debemos a los romanos. De hecho, fueron Ovidio y Virgilio quienes (en las Metamorfosis y en las Geórgicas, respectivamente) fijaron el canon de la historia: Orfeo y Eurídice están felizmente casados pero ella es mordida por una serpiente y fallece. Desesperado, Orfeo bajará a los infiernos para convencer a los dioses del Hades de que le dejan regresar a la tierra con ella. Su música y la firmeza de su amor les convencerán. Sin embargo, ponen una condición a Orfeo: no debe mirar hacia atrás durante el ascenso, sólo puede ver a su Eurídice una vez que hayan finalizado el viaje. Esta espera será demasiado larga para Orfeo: se volverá a mirarla antes de acabar la escalada y perderá a su esposa, esta vez, para siempre. 

  Según cuentan los autores (que introducen leves variaciones en el desarrollo de la historia central), después de este episodio Orfeo se refugiará en la música y en la poesía (es el patrón de tales artes) y rechazará todo contacto con cualquier mujer. De hecho, esta actitud ha hecho que sea considerado como el precedente de la homosexualidad e, incluso, de la pederastia. Este rechazo hará que acabe sus días muerto a manos de las mujeres que tan despreciadas se sentían por él. 

    Sobre esta materia mítica básica (ampliamente conocida en su época), Lope construye una comedia ajustada a su tiempo y al molde del género que él creó. Así, mezcla tragedia y comedia (cuando el mito original era eminentemente trágico), elimina los pasajes relacionados con su muerte y toda mención a la homosexualidad o la pederastia, humaniza a Orfeo (su divinización podría chocar con la doctrina cristiana imperante en la época) y lo convierte en símbolo del amor, de la fidelidad matrimonial y de la firmeza. De ahí el título de la obra. 

    Además, introduce numerosos personajes, ligándolos a los tipos característicos de la comedia. Así, si Orfeo será el galán y Eurídice, la dama, Aristeo (personaje que aparece en Virgilio pero no en Ovidio, culpable de la muerte de Eurídice ya que ésta es mordida por la serpiente mientras huye de él) será el poderoso y Orfeo tendrá un criado (Fabio) que encajará muy bien con el gracioso o figura del donaire, uno de los personajes más exitosos de la comedia áurea. 

    Junto a ellos, Lope incluye un nuevo personaje, Fílida, sobre el que hará caer todo el peso de la muerte de Eurídice, puesto que ella (enamorada de Orfeo) será la que urda la trama que acabará con el fallecimiento de la dama. Lo hará con la colaboración de Aristeo, en esta obra locamente enamorado de Eurídice, príncipe de Tracia, que se hace pasar por pastor para conquistarla. 

   Lope  también suma tramas y subtramas que enriquecen y enredan el mito original, como la relacionada con los celos o el tema del honor, dos cuestiones que no pueden faltar en la comedia del Siglo de Oro. De igual modo, también cuenta los antecedentes del matrimonio, presentando a un Orfeo que rechaza todo amor lujurioso y a una Eurídice que busca la solución al oráculo de Venus. En esta búsqueda, acudirá a Orfeo, famoso por desentrañar premoniciones, y ambos caerán localmente enamorados.

    Lope introduce todos estos argumentos con la maestría que le caracteriza, ligándolos con solidez y coherencia, haciendo gala del buen hacer que le convirtió en uno de los mejores dramaturgos de la literatura española. 

    Sólo el final queda un poco inconsistente: tras el regreso de Orfeo del infierno, éste arregla las bodas entre Fílida y Aristeo y Fabio (que durante toda la obra había estado enamorado de Fílida) con Dantea, una pastora de Tebas. No podía haber final sin boda… aunque en este caso la solución parezca precipitada y poco justificada, tal y como se ha ido desarrollando la historia. 

    Pero ese final no resta ni un ápice de calidad al resto de la comedia, con grandes parlamentos referidos al amor, a las diferentes maneras de amar, al compromiso, a los celos… y también a la lucha por el amor no correspondido. En definitiva, un catálogo de sentimientos de lo más humano, alejados de los héroes y los dioses de la mitología original. 

    Lope adapta con talento y maestría un mito de todos los tiempos. Y lo hace humanizándolo, completándolo con los componentes característicos de la comedia que él creó y actualizándolo con giros y comentarios críticos o humorísticos referidos a su época hasta completar una obra que conserva la materia mítica original, pero que aporta más. Mucho más.

   Enlace a la publicación original en Anika entre Libros. 
   Nos seguimos leyendo.

El teatro como excusa: "Motivar en Secundaria", de Julián Pérez Fernández

    Para unificar un poco mis reseñas voy a empezar a publicar aquí, los jueves, las que llevo elaborando para Anika entre Libros desde hace año y medio. Hay de todo un poco. Espero que te gusten también.

MOTIVAR EN SECUNDARIA
(Motivar en Secundaria. El teatro: una herramienta eficaz, 2011)
Julian Pérez Fernández

Editorial Erasmus Ediciones
Colección Pensamiento del Presente
1º Edición, Mayo 2011
Género: Ensayo, teatro, didáctica, Educación Secundaria, Pedagogía, motivación, fracaso escolar, representación escolar
ISBN: 9788492806362
212 Páginas

Argumento:

    Partiendo de la base de que la puesta en escena de una obra teatral por parte de los alumnos puede servir para motivar tanto a éstos como a los profesores, Julián Pérez Fernández muestra en esta obra su propia experiencia al respecto. En sus páginas recoge no sólo un resumen de lo que fue su trabajo de investigación doctoral en la Universidad de La Coruña, sino que añade reflexiones sobre el sistema educativo actual y la falta de motivación que acusan tanto docentes como estudiantes, así como datos biográficos de grandes y pequeños nombres que aportaron su granito de arena a la hora de mejorar el sistema, o una extensa explicación sobre las leyes que, desde 1857 hasta nuestros días han moldeado la educación en España, con especial atención a todo lo relacionado con la experiencia que brindó la II República.

   Del prólogo se encarga Alfredo Rodríguez López-Vázquez, catedrático de Didáctica de la Lengua y la Literatura en la Universidad de La Coruña.

Opinión:

   La falta de motivación, tanto por parte de los alumnos como de los profesores, es uno de los aspectos que más preocupan actualmente a la comunidad educativa, a políticos y a expertos en pedagogía. Desde la teoría y desde la práctica se analizan los motivos y se intenta buscar soluciones que pongan freno a una de las principales causas del fracaso escolar. Precisamente éste es el propósito de Julián Pérez Fernández: aunar la reflexión, la erudición y la práctica para extraer conclusiones y trazar una propuesta que, a la luz de su propia experiencia, da resultado.

   Se trata de utilizar el teatro, la representación teatral, como actividad escolar (es decir, dentro del horario lectivo), interdisciplinar e integradora con el fin de aumentar los niveles de motivación de todos aquellos que participen de la experiencia. La diferencia, como puede verse, es fundamental respecto a todas las experiencias de representaciones extraescolares, motivadas por algún tipo de celebración y, en la mayoría de los casos, voluntarias para los alumnos y dependientes de la buena voluntad de algún heroico profesor, en el caso de los docentes.

   La experiencia propuesta, y llevada a la práctica, por el autor, supone, en primer lugar, que ésta se aborde desde el horario escolar y de forma interdisciplinar, es decir, que los contenidos y actividades relacionadas con la representación teatral se repartan en diferentes asignaturas. En este caso, se trataba de llevar a las tablas la obra “El tuzaní de la Alpujarra”, de Calderón de la Barca, por lo que en las diversas asignaturas implicadas en la experiencia (desde Lengua y Literatura hasta Religión, pasando por Historia, Música o Educación Física, entre otras) se trataron diferentes aspectos relacionados con ella: los valores literarios de la obra y la vida del autor; ejercicios relacionados con la declamación, la gestualidad, la respiración…; los moriscos o la música propia de la época. Este enfoque multidisciplinar permitió llevar al aula contenidos transversales actuales, como la inmigración, además de los temas previstos en las unidades didácticas correspondientes (bien detalladas en la obra).

   Además de la interdisciplinariedad de la experiencia, el otro gran aspecto motivador de la propuesta de Pérez Fernández es la participación de todo el alumnado seleccionado (en su caso, dos cursos de cuarto de la ESO) en todas las tareas relacionadas con la representación de la obra elegida, desde la selección musical, del vestuario o del decorado, hasta su realización, la adaptación del texto y, claro está, la propia puesta en escena. De esta manera, los alumnos veían cubierto un amplio abanico de intereses, desde los más intelectuales a los más técnicos, aumentando así su nivel de motivación.

   Desde el punto de vista formal, el libro se divide en seis capítulos, además de un anexo documental y un repaso a las fuentes utilizadas, que abordan cuestiones relacionadas con la experiencia y que añaden valiosa información al contenido de la propia obra. Así, el autor dedica el primer capítulo a la cuestión que subyace en todo el libro, el objetivo de la investigación: la motivación. En él explica qué es y analiza los porqués de la actual desmotivación de profesores y alumnos en nuestra comunidad educativa.

Mientras que el segundo capítulo aborda la historia de nuestro sistema escolar desde el punto de vista legislativo, ofreciendo una clarificante visión de su evolución, el tercero ahonda en la didáctica del teatro y su aplicación pedagógica. El cuarto capítulo supone un compendio biográfico de personas relacionadas con la educación o el teatro, desde grandes nombres como Federico García Lorca hasta otros no tan conocidos, como el de Arximiro Rico, maestro de escuela.

   Finalmente, el quinto y el sexto capítulo recogen la propia investigación en sí, describiendo su parte empírica en el quinto y las conclusiones extraídas en el último. Como decíamos, la obra se completa con un anexo documental en el que se recogen algunos de los materiales empleados en las unidades didácticas puestas en práctica o fotografías de la representación teatral final.

   En definitiva, se trata de un libro útil para los docentes que busquen nuevas vías de trabajo en el aula o para alumnos inquietos que quieran proponer formas de acceder al conocimiento diferentes a sus profesores, así como para todos aquellos interesados en la pedagogía y la didáctica. De igual modo, las reflexiones y críticas que plantea sobre el sistema educativo español y el grado de motivación de la comunidad educativa resultan no sólo interesantes, bien argumentadas y bien demostradas a la luz de su investigación, sino que deberían ser tenidas en cuenta por quienes tienen en sus manos las llaves de la educación presente y futura. 

    Enlace a la publicación original en Anika entre Libros. 

   Nos seguimos leyendo